Возрождение возникло и ярче всего проявилось в Италии. Когда сегодня говорят о Возрождении, то в первую очередь подразумевают именно Италию.
Собственно эпоху итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:
- Ранний Ренессанс (треченто и кватроченто) — середина XIV — XV в.;
- Высокий Ренессанс (чинквеченто) — до второй трети XVI в.;
- Поздний Ренессанс — вторая треть XVI — первая половина XVII в.
Помимо деления Ренессанса на исторические периоды важное значение для его понимания имеет разделение на художественные школы. Вся эпоха итальянского Возрождения прошла под знаком творческого соревнования двух великих школ — флорентийской и венецианской. Первая доминировала в Раннем и Высоком Ренессансе, вторая — в Высоком и Позднем.
Основоположником флорентийской школы являлся Джотто (XII—XIV вв.). В начале XV века флорентийская школа становится авангардом гуманистического искусства Возрождения (архитекторы Ф. Брунеллески, Л.Б. Альберти, скульпторы Донателло, Л. Гиберти, живописцы Мазаччо, А. Верроккьо, С. Боттичелли). Своего расцвета она достигла в искусстве Леонардо да Винчи и Микеланджело. Эту школу характеризует углубленное религиозное начало, мифологическое восприятие мира, тонкий психологизм.
Венецианская школа наибольший расцвет пережила во второй половине Возрождения — в XV—XVI вв. (семья Беллини, В. Карпаччо, Джорджоне, Тициан, П. Веронезе, Я. Тинторетто), а затем в XVIII вв. (Дж.-Б. Тьеполо, А. Каналетто, П. Лонги, Ф. Гварди). Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм.
Если говорить о хронологии, то обычно в самостоятельный этап выделяют проторенессанс (период XIII — начало XIV в.). Его относят не к собственно Ренессансу, а к подготовительному этапу. Проторенессанс ознаменован творчеством великого поэта Данте Алигьери (1265—1321), зодчего Арнольфо ди Камбио, скульптора Никколло Низано, живописцев Пьетро Каваллини и особенно Джотто ди Бондоне (1266/1266— 337), которые подготовили почву для искусства Возрождения.
Треченто (XIV столетие) характеризуется культурными инновациями сразу в нескольких сферах: новую страницу в литературе открыли поэзия Данте и сонеты Петрарки; в живописи явился неподражаемый Джотто; зодчие воздвигли прекрасные сооружения новой архитектуры (собор Санта Мария дель Фиоре во Флоренции и другие). Тогда же североитальянские города — Флоренция и Болонья, Падуя и Пиза, Перуджия и Римини — создали и в музыке свое ars nova (новое искусство).
Из многочисленных произведений великого поэта Возрождения Данте (цикл сонетов, канцон и баллад, философские и политические трактаты) самым значительным считается «Божественная комедия» — эпическая поэма в трех частях («Ад», «Чистилище», «Рай») и 100 песнях, названная поэтической энциклопедией средних веков. Подобно тому, как А.С. Пушкин является создателем русского литературного языка, Данте приписывают роль создателя итальянского литературного языка.
Если Данте заложил основы новоевропейской литературы, то другой гений — Джотто — явился основателем новоевропейской живописи. Порвав со средневековыми канонами, он внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. Джотто не просто открыл новый этап в истории живописи, но стал одним из ярких ее реформаторов. Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, так называемую античную перспективу, — он сообщил художественному пространству иллюзию глубины, разработал приемы тональной светотеневой моделировки при помощи постепенного высветления основного, насыщенного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность.
В творческом наследии Джотто центральное место занимают росписи капеллы дель Арена в Падуе (ок. 1305—1308), построенной по его же проекту. Монументальный фресковый цикл включает композицию «Страшный Суд» и 34 сцены из жизни Марии и Христа. Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто для этой церкви, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды».
К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество двух величайших поэтов — Франческа Петрарки (1304—1374) и Джованни Боккаччо (1313—1375). Наряду с Данте они считаются создателями итальянского литературного языка. Петрарка остался в истории Возрождения как первый гуманист, поставивший в центре своего творчества не Бога, а человека. Всемирную известность получили сонеты Петрарки на жизнь и смерть мадонны Лауры, вошедшие в сборник «Книга песен».
Великий гуманист Боккаччо создал поэмы на сюжеты античной мифологии, психологическую повесть «Фьямметта» (1343), пасторали, сонеты. Самым значительным художественным произведением Боккаччо явился его «Декамерон», сборник, включающий 100 новелл, в которых повествуется, как во время «черной смерти» (чумы) 1348 года во Флоренции 10 молодых людей — юношей и девушек — удаляются на загородную виллу и там в течение 10 дней (греч. Декамерон — Десятиднев) помимо других развлечений рассказывают каждый по одной новелле в день.
Выдающимися мастерами Раннего Ренессанса считаются Мазаччо (1401 — 1428) и Сандро Боттичелли (1445—1510). Среди работ последнего наибольшую известность приобрела картина «Рождение Венеры». Боттичелли был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Его произведения построены на религиозных и мифологических сюжетах, они отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом.
Представителями Раннего Возрождения были архитектор Филиппе Брунеллески (1377— 1446), построивший купол Флорентийского собора и внесший большой вклад в фундаментальную науку (теория линейной перспективы), и скульптор Донателло (ок. 1386—1466), первым представивший в скульптуре обнаженное тело, создавший новый тип круглой статуи и скульптурной группы, живописного рельефа.
С тех пор в архитектуре ведущую роль стали играть светские сооружения — общественные здания, дворцы, городские дома. Используя ордерное членение стены, арочные галереи, колоннады, своды, купола, архитекторы придали своим постройкам величественную ясность, гармоничность и соразмерность человеку.
Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким и связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров — Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520) и Микеланджело Буонарроти (1475—1564). Расцвет ренессансной культуры пришелся, как ни странно, на период экономического и политического упадка Италии.
Леонардо да Винчи был наиболее яркой личностью, явив миру идеал «универсального человека» Возрождения. Сочетая разработку новых средств художественного языка с теоретическими обобщениями, он создал величественные полотна, среди которых наиболее известны «Тайная вечеря» и «Джоконда». Он прославился также как ученый и инженер. Ему принадлежат многочисленные открытия, проекты, экспериментальные исследования в области математики, естественных наук, механики. Леонардо да Винчи обогатил идеями почти все области знания, рассматривая свои рисунки как наброски к гигантской натурфилософской энциклопедии. Особое внимание Леонардо уделял механике, он попытался определить коэффициенты трения скольжения, изучал сопротивление материалов, увлеченно занимался гидравликой. Его гидротехнические эксперименты получили выражение в проектах каналов и ирригационных систем. Некоторые замыслы великого итальянца, в частности, проекты металлургических печей и прокатных станов, ткацких станков, печатных, деревообрабатывающих машин, подводной лодки и танка, летальных аппаратов и парашюта, далеко опередили его время. Собранные Леонардо наблюдения над влиянием прозрачных и полупрозрачных тел на окраску предметов, отраженные в его живописи, привели к утверждению в искусстве принципов воздушной перспективы. Изучая устройство глаза, он раскрыл природу бинокулярного зрения. Множество открытий Леонардо да Винчи связаны с анатомией, ботаникой и палеонтологией.
Младший современник Леонардо, великий живописец Рафаэль вошел в историю как создатель цикла шедевров, связанных с изображением мадонн (художественные образы Богоматери). Величайшее творение Рафаэля — «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, росписи парадных залов Ватиканского дворца. Уже в ранних картинах сказался присущий Рафаэлю гармоничный склад дарования, его умение находить безупречное согласие форм, ритмов, красок, движений, жестов. Как и Леонардо да Винчи, Рафаэль много работает с натуры, изучает анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, ищет компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы. В 26-летнем возрасте он получает должность «художника апостольского престола», ему поручают расписать парадные покои Ватиканского дворца. С 1514 года Рафаэль руководит строительством собора Св. Петра, много трудится в области церковной и дворцовой архитектуры, назначается Комиссаром по древностям, отвечает за изучение и охрану античных памятников, археологические раскопки. Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства.
Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело — великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют прежде всего первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника — росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508—1512). Общая площадь фрески 600 кв. метров. Она представляет собой художественную иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы «Страшный Суд».
Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению «Давид», а как архитектор — став проектировщиком и руководителем строительства основной части здания собора Св. Петра в Риме, до сих пор остающегося самым крупным католическим храмом в мире. Не меньшую славу принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности скульптурная композиция (четыре обнаженные фигуры «Вечер», «Ночь», «Утро» и «День») в капелле Медичи.
На период Высокого и Позднего Возрождения приходится расцвет искусства венецианской школы, среди представителей которой выделяются два великих живописца — Джорджоне (1476—1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт», Тициан (ок. 1489/90—1576), ставший после преждевременной смерти Джорджоне, в мастерской которого он обучался, главой венецианской школы.
Общим для Джорджоне и раннего Тициана является ярко выраженный светский характер живописи и жизнеутверждающие мотивы. В отличие от мрачных флорентийцев, венецианцы, кажется, находят в жизни только светлые стороны. Гармоничная, богатая оттенками живопись Джорджоне выражает поэтическое чувство влюбленности в красоту земного бытия, единство человека и природы.
Ранним произведениям Тициана также присущи жизнерадостность, безмятежная ясность, которые в зрелый период сменяются напряженным драматизмом, психологически обостренной чувственностью (знаменитая «Даная»), — а в поздний и вовсе трагизмом. Тициан пользовался огромной прижизненной славой, занимал должность официального живописца Венецианской республики, его заказчиками были император Карл V, испанский король Филипп II, папа Павел III, правители Мантуи, Феррари, Урбино. Карл V пожаловал ему титул графа Палатинского. Художник был тесно связан с венецианской интеллектуальной элитой. Его творческое наследие огромно — около 130 полотен, фрески, рисунки, серия гравюр на дереве, религиозные, мифологические, аллегорические композиции, портреты и др. Искусство Тициана, наиболее полно раскрывшее своеобразие венецианской школы, оказало большое влияние на становление крупнейших художников XVII века, от Рубенса и Веласкеса до Пуссена.
Период Позднего Возрождения отмечен рядом важных изменений в искусстве. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения.
Термин «манера», или «маньеризм», впервые применил историк искусства Луиджи Ланци в 1792 году для обозначения стиля, царившего в итальянской живописи в период с 1527 до начала деятельности братьев Карраччи. Он использован для обозначения искусства, которое изменяет правде без какой бы то ни было оригинальности и которое основано на имитации и повторении. Сегодня маньеризм принято считать не искажением, а логическим продолжением глубинных изменений в искусстве Ренессанса. Искусствоведы истолковывают данное течение как художественное выражение тревог и беспокойства своего времени, кризиса духовной атмосферы той эпохи. Почти маниакальное стремление к формальной изысканности, поиск необычной и усложненной композиции, спиралеобразные позы, непривычные тона и странные сближения цвета, элементы галлюцинации — все это присуще творчеству маньеристов.
Среди крупных основоположников маньеризма называют Якопо Понтормо (1494—1557) и Анджело Бронзино (1503—1572), работавших преимущественно в жанре портрета.
К маньеризму целиком можно отнести творчество Якопо Тинторетто (1518—1594), представителя венецианской школы Позднего Возрождения, пытавшегося соперничать с Микеланджело в грандиозности замыслов. Он создает ирреальный мир, в котором всегда присутствуют личные эмоции художника. Другой представитель венецианской школы, великий живописец Паоло Веронезе (1528—1588), создавший множество праздничных, светских по духу картин, тем не менее применял маньеризм к декорированию дворцов уже как сознательный прием, разрабатывая одну из самых любимых тем маньеризма — фантастический пейзаж или пейзаж с руинами.
Основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII века является Микеланджело да Караваджо (1573—1610). Полотна мастера отличаются простотой композиции, эмоциональным напряжением, выраженным через контрасты света и тени. Караваджо первым противопоставил подражательному направлению в живописи (маньеризму) реалистические сюжеты народного быта. По существу, Караваджо стал инициатором крупного переворота в живописи, повлиявшего даже на иностранных художников. Образовалось целое направление «караваджистов».
Историки свидетельствуют, что Караваджо был весьма неординарной личностью. Так, известно, что в 1606 году, после ссоры во время игры в мяч и убийства на дуэли участника ссоры, он был вынужден бежать из Рима в Неаполь, откуда перебрался на Мальту. Здесь, вступив в конфликт с могущественным вельможей, был брошен в тюрьму, бежал на Сицилию. В 1608—1609 гг., преследуемый наемными убийцами, скитался по городам Сицилии и Южной Италии. В 1610 году отправился в Рим, но по дороге был по ошибке арестован испанскими таможенниками, опять скитался и умер от лихорадки в возрасте 37 лет.
Бурная и драматическая жизнь Караваджо соответствовала бунтарскому духу его творческой натуры. Уже в первых работах он выявил себя смелым новатором, бросившим вызов эстетическим нормам своей эпохи. Герои картин Караваджо предстают то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щеголя, то в облике античного бога Вакха. Он изображал своих персонажей с почти физической натуральностью, представляя их как людей самых обычных. Собственная жизнь Караваджо, в силу его неистового и вспыльчивого нрава, способствовала созданию мифа о «безбожном» художнике. Глубокая религиозность и экспрессивность образов Караваджо оказали сильное влияние на современных ему живописцев.
Искусство Караваджо оказало огромное влияние не столько на итальянцев, сколько на ведущих западноевропейских мастеров XVII века — голландцев, фламандцев, французов, испанцев: Рубенса, Йорданса, Жоржа де Латура, Сурбарана, Веласкеса, Рембрандта. Караваджизм породил два популярных жанра: натюрморт и сцены из народной жизни, ставших особенно популярными в Европе. Европа приняла новаторский дух итальянца, а в Италии Церковь решительно отвергла натурализм Караваджо. И, видимо, не случайно, потому что итальянское Возрождение уже завершилось. Италия сказала практически все, что могла сказать. Наступила очередь североевропейского Возрождения.